adattamento e regia Francesco Micheli – con Alessio Calciolari, Gianluca Di Lauro, Sax Nicosia, Stefano Orlandi, Lorenzo Piccolo, Ulisse Romanò – traduzione Fausto Malcovati – scene Clara Storti e Selena Zanrosso – costumi Giada Masi – luci Giulia Pastore – audio Giuliana Rienzi – assistente alla regia Luisa Costi – si ringraziano Francesca Biral, Paola Giorgi, Angelo Lodi, Donatella Mondani, Prof.ssa Maria Antonietta Tovini, Berina Kokona, Beatrice Laurora, Gerlando Dispenza, Eloisa Libutti, Sara Mezzanzanica –  in collaborazione con Atir Teatro Ringhiera e Accademia di Belle Arti di Brera – produzione Nina’s Drag Queens

“Il giardino dei ciliegi” di Anton Checov è una piccola saga familiare, stagliata sullo sfondo di un’epoca di grande cambiamento. Aspettando un unico avvenimento – la vendita del giardino – i personaggi si dibattono in situazioni apparentemente futili: amori inseguiti e non corrisposti, feste senza invitati, passeggiate tra i viali. Il giardino di ciliegi è la terra dell’infanzia, del sogno ad occhi aperti, l’orizzonte dell’ancora possibile. Ad abitarlo, sei donne, in attesa della fine. Donne, creature piuttosto. Forse sono gli stessi alberi di quel giardino, tacchi a spillo per radici, braccia maschili come rami tesi? Intorno a loro, si avvicina una schiera di uomini, un coro di voci incalzante che segna l’inevitabile conto alla rovescia. Perse in questo vivaio di ricordi e passioni, sono viaggiatrici senza passaporto, dive senza palcoscenico, eroine tragiche senza tragedia. E ridono, ridono spesso. Ma sempre con le lacrime agli occhi.

“Il nostro teatro è una strana creatura. Prende forza dalla libertà che ci siamo dati nello spaziare tra i generi e trova il suo cuore nell’accostare materiali a prima vista dissonanti e lontani tra di loro. È fatto di canzoni, coreografie, spezzoni di film, in un linguaggio ibrido che attinge dalla cultura pop, dal cinema e dall’opera lirica, dove playback e il citazionismo diventano parte integrante della drammaturgia. Questi frammenti si amalgamano sulla scena grazie al personaggio della Drag Queen, potente e leggero al tempo stesso, al quale tutto o quasi è concesso. È un procedimento giocoso e ironico, in senso letterale: l’attore maschio che interpreta una donna dichiara costantemente la finzione, non è ciò che dice di essere. Perciò è sempre, anche, portatore di un punto di vista su quello che rappresenta. Non rappresentiamo tanto il femminile, quanto la forma del femminile, l’immagine della donna prima che la donna, cercando di afferrarne le piccole e grandi frenesie, gli eccessi, il sentimento nascosto. E se prendiamo in giro la purezza di quel sentimento, è per renderlo ancora più visibile sulla scena, per renderlo vero.Inoltre, il rovesciamento dei ruoli, che ci porta a volte a trasformare – o più propriamente, a travestire – personaggi maschili in personaggi femminili, è un’arma espressiva semplice e spiazzante: in una società come la nostra, tuttora profondamente maschilista, questo ha la forza di una piccola rivoluzione.”
Nina’s Drag Queens

“Grottesco, leggero, melodrammatico è il Checov delle Nina’s Drag Queens”.
Sara Chiappori, Repubblica

“Le Drag in gioco di squadra costruiscono un universo a parte dove anche le utopie di Cechov trovano spazio grazie alla “smisurata misura” della regia di Francesco Micheli.”
Maurizio Porro, Corriere della Sera

“Cinte di petali, fragili e solidi testimoni di una bellezza tramontata, le Nina’s Drag Queens sono un corpo unico, puntuale, espressivo, ingranaggi di un meccanismo scenico impeccabile.”
Paolo Schiavi, La Libertà

Teatro Leonardo
da giovedì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
durata: 90 minuti
biglietti: Intero 25€, Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto Arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30/Over65 15€, Scuole di teatro e Università 15€, Ridotto DVA 12,50, Scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€
abbonamenti: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4, Abbonamento le Vie en Rose

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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progetto, drammaturgia e regia Corrado d’Elia – assistente alla regia Sabrina De Vita – con Corrado D’Elia, Raffaella Boscolo, Angelo Zampieri – scene Fabrizio Palla – organizzazione Caterina Mariani – grafica Chiara Salvucci – produzione Compagnia Corrado d’Elia

Il racconto di Omero è solo il punto di partenza. Lo spettacolo è infatti un viaggio poetico nell’uomo e nell’oggi, una riflessione necessaria sul contemporaneo, sul nostro tempo, sulle nostre utopie e sugli ideali su cui una generazione ha costruito la propria vita e il proprio modo di essere.

Ecco che dunque la necessità di “tornare a casa” vuole dire innanzitutto tornare a noi stessi, a quello che più ci appartiene, a quello che davvero siamo e che forse col tempo ci siamo dimenticati di essere. Tornare all’inizio, dunque, al nostro primo sguardo, ai nostri primi ricordi, per comprendere come eravamo e come avremmo forse in altro modo dovuto essere.

Tre personaggi, tre naufraghi della vita che, in uno spazio che è insieme teatro, imbarcazione e sala da ballo, raccontano la propria storia, mentre presente e passato si confondono in un’atmosfera onirica e malinconica.
Sullo sfondo il continuo rimando ai personaggi di Omero, ma soprattutto alle atmosfere profonde e poetiche dei film di Theo Angelopoulos, regista greco scomparso, cui è dedicato lo spettacolo.
Ancora un grande omaggio di Corrado d’Elia al teatro e alla sua forza vitale, impulsiva e purificatrice.

ULISSE, IL RITORNO – note allo spettacolo di Francesca Interlenghi
È un lungo piano sequenza dalla consistenza cinematografica quello in cui scorre la vicenda dell’Ulisse contemporaneo messo in scena da Corrado d’Elia. Un segmento narrativo teso a riprodurre la complessità di un viaggio metaforico, il viaggio dell’uomo verso la conoscenza, accorciando le distanze tra reale e surreale, tra verità e rappresentazione e rendendo omaggio al teatro, alla sua forza vitale e dirompente. Nel mezzo di un’ atmosfera suggestiva, in una scenografia fatta di piccole luci capaci di creare spazi mutevoli di colore e di esistenza, fatta di tavoli e sedie alla maniera di una volta, si muove un Ulisse frastornato, immerso nella fatica del ricordare. Uno spazio in cui le vicende di un ipotetico esterno si mischiano senza soluzione di continuità con quelle di un onirico interno, in un luogo che è al contempo nave, la nave dei folli, teatro e sala da ballo. Dedicato al grande regista cinematografico Theo Angelopoulos, lo spettacolo ne riprende le tematiche, i suggerimenti emotivi, rievocando l’idea dei Balcani, l’esilio, la separazione, il viaggio, il dissolversi delle utopie. E il moto esausto dell’uomo attraverso l’acqua, i fiumi, i confini.
La narrazione si compone di un’architettura a più strati in cui la storia di un Ulisse contemporaneo si intreccia con quella di un attore che torna a casa mentre scrive uno spettacolo che si sta rappresentando proprio in quel momento lì. E i fatti di tre naufraghi della vita si intrecciano in maniera indissolubile con il tema del ricordo, con l’ossessione del ricordare tanto cara a entrambi i registi. Proprio come nel film di Angelopoulos “Lo sguardo di Ulisse” il fotografo voleva ritornare a vedere le prime immagini, le prime foto scattate nella sua Grecia, anche questo moderno Ulisse non perde occasione per cercare i ricordi, per interrogarsi sugli spazi di oblio che nel viaggiare hanno fagocitato persone e sentimenti senza distinzione alcuna. Non un viaggio geografico ma un viaggio che muove dalle parole, perché in origine era il verbo. Un viaggio che è un ritornare a se stessi, a quello che più ci appartiene, all’essenza di noi. Un viaggio che è racconto poetico e malinconico dell’uomo e dell’oggi. Un viaggio nel labirinto immaginario che scorre tra i due livelli di lettura cui si presta l’Odissea, quello esoterico, il nostro bisogno di crescere nell’idea di Dio o nell’idea di sapienza, e quello essoterico fatto di materialità che tutto inghiotte. Le persone con un occhio solo, quelle senza profondità, in fondo le incontriamo tutti i giorni. Sta a noi decidere se sostare in superficie o andare a fondo per trovare le corrispondenze. Un viaggio che non ha fine perché la fine è l’inizio ripete spesso questo Ulisse. A significare che la ricerca della perfezione è nell’imperfezione stessa, a dire che le cose si rompono per poi ritornare sotto altra forma. La storia stessa dell’uomo è come un cerchio che si chiude per riaprirsi ancora.

“Alla fine probabilmente chiudere il cerchio toccava a me, era compito mio, ero io che non dovevo fare niente altro se non dire i miei ricordi. In questo spettacolo sono io che racconto di mia madre, di quando era sfollata, di quando poi è morta, l’incontro nell’Ade come fosse uno spazio temporale capace di mettere in relazione i vivi con i morti. Il mio è un racconto che parte da materiali propri e intimi, da cose vere, fatti realmente accaduti. In cui c’è sempre in qualche modo la translitterazione delle persone. C’è Ulisse ma Ulisse è anche Telemaco. C’è un’unica donna, che rappresenta tutto. Lo spettacolo è come sono io. Dove uno è tutto sempre.”
Corrado d’Elia

Teatro Leonardo
da giovedì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
durata: 60 minuti
Biglietti: Intero 25€ – Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30 e Over65 15€, scuole di teatro e università 15€, Ridotto DVA 12,50€, scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro, Teatri Possibili 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4, Abbonamento la bella stagione

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Silvia Gallerano/Cristian Ceresoli – production manager Marco Pavanelli – tecnico Giorgio Gagliano – in collaborazione con Summerhall (Edinburgh) e Teatro Valle Occupato (Roma) – produzione Frida Kahlo Productions/London – Richard Jordan Productions/London

Dopo i sold out delle due passate stagioni, “La Merda” torna al Teatro Leonardo per il terzo anno consecutivo. “La Merda” si manifesta come la rivoltante confidenza pubblica di una “giovane” donna “brutta” che tenta con ostinazione, resistenza e coraggio di aprirsi un varco nella società delle Cosce e delle Libertà. Un fenomeno che ha da tempo rotto i confini del teatro ed è seguito come un concerto rock, con un’accoglienza clamorosa in tutto il mondo (da Londra a Vancouver, da Adelaide a Berlino) registrando da nove anni consecutivi il tutto esaurito ovunque. Il testo di Cristian Ceresoli è stato considerato “straordinario” dal Times ed è valso all’autore il Fringe First Award for Writing Excellence per la scrittura. Per la sua interpretazione “straordinaria, sublime e da strapparti la pelle di dosso” (The Guardian) Silvia Gallerano è la prima attrice italiana a vincere il The Stage Award for Acting Excellence.

Teatro Leonardo
da venerdì a sabato ore 20:30
durata: 60 minuti
Biglietti: Intero 30€, Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto Arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30/Over65 15€, Scuole di teatro e Università 15€, Riddoto DVA 15€, Scuole di MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4, Abbonamento Le ragazze raccontano

drammaturgia Lorenzo Piccolo – regia Sax Nicosia – con Alessio Calciolari, Gianluca Di Lauro, Stefano Orlandi, Lorenzo Piccolo, Ulisse Romanò – coreografie Alessio Calciolari – costumi Gianluca Falaschi – scene Nathalie Deana – musiche originali Diego Mingolla – artwork Donato Milkyeyes Sansone – parrucche Mario Audello – disegno luci Luna Mariotti – assistenza ai costumi Rosa Mariotti – assistenza alla regia Mila Casali – produzione Aparte Società Cooperativa – grazie a la Corte Ospitale – Progetto Residenze, ATIR-Teatro Ringhiera – con il contributo di Fondazione Cariplo – nell’ambito del progetto fUNDER35 – spettacolo selezionato da NEXT – produzione Nina’s Drag Queens

È l’alba. Nel cortile di un carcere, un plotone di vedove attende l’esecuzione del bandito Macheath. Polly, Peachum, Jenny, Lucy, Tigra: donne che tradiscono, che lottano, donne che si usano a vicenda. Cuori neri dalla nascita o anneriti dalla vita, che pulsano vitali in uno scenario desolato. Saranno loro a dare vita a questa storia: una storia di amore, morte, sesso e soldi. Macheath è l’unico uomo, il bandito, l’eterno assente, e suscita in questi cuori neri sentimenti assoluti.
Lo spettacolo è ispirato a“The Beggar’s Opera” di John Gay, commedia musicale scritta nel 1728, in cui l’autore miscelava la musica colta e la canzone da osteria, adattando canzoni già note al pubblico. Allo stesso modo le Nina’s Drag Queens attingono al repertorio della musica contemporanea e lo reinventano all’interno di un cabaret agrodolce, sotto il segno di un umorismo amaro e politicamente scorretto.

Teatro Leonardo
da giovedì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
durata: 90 minuti
Biglietti: Intero 25€, Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto Arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30/Over65 15€, Scuole di teatro e Università 15€, Ridotto DVA 12,50, Scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4, Abbonamento le Vie en Rose

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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di Amos Kamil – traduzione di Flavia Tolnay con la collaborazione di Alberto Oliva – regia Alberto Oliva – con Gaetano Callegaro, Francesco Paolo Cosenza – scene e costumi Francesca Pedrotti – realizzazione scenografia Ahmad Shalabi – disegno luci Fulvio Melli – direttore di produzione Elisa Mondandori – produzione Manifatture Teatrali MilanesiBerlino

10 anni di successi!

1947, ore sei e trenta. Nella Germania appena uscita dalla guerra, tutte le mattine alla stessa ora, due uomini si incontrano: un professore ebreo che vuole partire per fondare lo Stato di Israele e il proprietario di una tabaccheria, dall’aspetto tipicamente tedesco. Sono sopravvissuti alla tragedia che ha appena sconvolto e quasi annientato un popolo intero. Si attaccano, si rinfacciano colpe reciproche e recriminano sui torti subiti, fino a scoprire dolorosamente quanto gli obblighi della Storia possano condizionare il modo di agire dei singoli individui, quando, completamente soli, devono affrontare il proprio destino. Si gioca una partita in cui è impossibile giudicare vincitori e vinti, perché vittime e carnefici camminano su un piano sempre in bilico.

Nascere tedesco nel 1920 significava essere condannato a diventare un carnefice. Nascere ebreo nello stesso anno era la condanna ad essere una vittima. In entrambi i casi, la ribellione a questo destino poteva costare molto cara. A quali compromessi un essere umano, da solo, è disposto a scendere quando si trova sull’orlo dell’abisso? Lo spettacolo, partendo dalla questione ebraica in un momento cruciale della sua evoluzione, parla a tutti, perché tutti prima o poi siamo chiamati a fare i conti con la nostra identità e a scegliere i tempi e i modi della nostra partecipazione sociale.

“(…) il sentimento che si staglia netto in questa messa in scena, curata con attenzione dal giovane Alberto Oliva, è quello dell’impossibilità di riuscire a vivere per chi è sopravvissuto qualunque sia stata la sua storia. Con bravura e intelligenza Francesco Paolo Cosenza affronta il suo Gruber dandogli toni di segreta sofferenza per un indicibile che deve essere detto. Di fronte a lui il Doktor di Gaetano Callegaro che sceglie nella politica il futuro. (…)”
Magda Poli, Corriere della Sera, 19/05/2010

“Il fumo del sigaro produce spesse e compatte volute nebbiose dove perdersi, dove nascondersi. Nel fumo si possono celare le reali intenzioni, il passato non così esplicito e lampante, le convinzioni vacillanti. È una partita a scacchi quella che si gioca, furiosamente e dialetticamente, all’interno di questo negozio (ricorda quelli descritti da Philip Roth per rimanere in tema ebraico) tra ‘Il venditore di sigari’ e un compratore, il cliente abituale e abitudinario. Potrebbero essere le due figure losche tratteggiate da Koltès in “Nella solitudine dei campi di cotone” anche se qui manca la pericolosità e l’erotismo ma vive e pulsa la macchinazione e l’artificio come la menzogna. (…) I due, divisi dalla fiammella che ricorda le vittime, e separati dalla coltre di fumo che ingloba le loro coscienze, sono due facce della stessa medaglia, racchiusi in questo sogno-incubo, in questa gabbia mentale che non li lascia sereni e non li abbandona nemmeno adesso che la Guerra è finita. Ma la guerra, dentro di loro, infuria più forte di prima, perché i sensi di colpa galoppano, perché, a differenza dei loro conoscenti e familiari, si sono salvati.”
Tommaso Chimenti, recensito.net, 28/01/2019

Teatro Litta
martedì e mercoledì  ore 20:30
durata: 80 minuti
Biglietti: Intero 25€ – Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30 e Over65 15€, scuole di teatro e università 15€, Ridotto DVA 12,50€, scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro, Teatri Possibili 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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con Guenda Goria – di Giuseppe Manfridi – regia Maurizio Scaparro – e con Lorenzo Manfridi – regista assistente Felice Panico – foto di scena Elio Carchidi – Premio Franco Cuomo insignito al Senato della Repubblica italiana come miglior interpretazione femminile – spettacolo e concerto dal vivo su Clara Schumann – produzione Todi Festival – Compagnia Mauri Sturno

“La mia immaginazione non può figurarsi una felicità più bella di continuare a vivere per l’arte.”

La più grande pianista dell’Ottocento; Clara Wick è donna coraggiosa, intellettuale, madre affettuosa di otto figli, innamorata. Ed è proprio l’amore che permea la sua musica: l’amore per la vita e per un uomo, Robert Schumann, genio compositore e figura di spicco del romanticismo tedesco. Un amore tormentato ma profondissimo, che trova il suo triste epilogo quando una malattia sopraggiunge a consumare le capacità intellettive di lui, fino a portarlo lentamente a spegnersi in manicomio a soli 40 anni. Il Pianoforte, al centro della scena, è protagonista assoluto, suonato dal vivo da Guenda Goria che rivive il pomeriggio prima di un concerto di Clara in cui tutto fa presagire ad un fallimento ma attraverso le note del pianoforte Clara riuscirà a rivivere il suo grande amore per Robert e ad emozionare la platea confermandosi leggenda della musica mondiale.

“Credo che sia molto difficile trovare, almeno in Italia, la sensibilità artistica e tecnica di un’attrice e assieme di una pianista che possa esprimere le emozioni che ci offre il felice testo di Manfridi.
Quando Guenda, con la quale avevo già lavorato qualche anno fa nella ‘Coscienza di Zeno’ con Giuseppe Pambieri, mi ha chiesto di esserle vicino in questa avventura ho risposto subito con entusiasmo. Abbiamo lavorato con gioia e con emozione e con qualche sorpresa che spero si possa trasmettere al pubblico.”
Maurizio Scaparro

“’La pianista perfetta’ è la realizzazione del mio grande sogno: quello di potermi esprimere come attrice e concertista. Interpretando Clara mi sono immersa nel cuore grande e valoroso di una donna dedita all’arte. Una virtuosa dell’ Ottocento di forza contemporanea, romantica e volitiva protagonista di una delle più struggenti storie d’amore; quella con il genio compositore Robert Schumann. Un personaggio che vivo con profondo amore e struggimento, che mi chiede grande preparazione pianistica e che mi offre ogni volta una gioia inaspettata.
Il testo di Giuseppe Manfridi è di una bellezza rara, intriso di romanticismo e la regia del Maestro Maurizio Scaparro esalta l’eleganza ed intensità del racconto. Uno spettacolo performativo, ironico e commovente che parla a tutti, oggi più che mai.”
Guenda Goria

Teatro Litta

da mercoledì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
durata: 75 minuti
Biglietti: Intero 25€ – Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30 e Over65 15€, scuole di teatro e università 15€, Ridotto DVA 12,50€, scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro, Teatri Possibili 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4, Abbonamento le ragazze raccontano

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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un testo di Edoardo Erba  – con la consulenza di Luca Mariani, autore de Il silenzio sugli innocenti – regia Serena Sinigaglia – con Arianna Scommegna, Mattia Fabris – scene Maria Spazzi – luci Roberto Innocenti – co-produzione ATIR Teatro Ringhiera e Teatro Metastasio di Prato  – con il patrocinio della Reale Ambasciata di Norvegia in Italia

“Tutto è cominciato con un libro, ‘Il silenzio sugli innocenti’ di Luca Mariani, un giornalista che non si arrende alle prime risposte, che insiste. È il 22 luglio 2011, in Norvegia. Anders Behring Breivik, ‘il mostro’, scatena l’inferno. Otto morti con un’autobomba a Oslo, un diversivo e poi il vero obbiettivo: 69 ragazzi laburisti uccisi uno a uno nell’isola di Utøya, il ‘paradiso nordico’, sede storica dei campeggi estivi dei giovani socialisti di tutto il mondo. Avevo rimosso quei fatti. Come avevo potuto dimenticare una strage tanto grave e recente avvenuta nel cuore di un’Europa in pace e unita? Perché avevo dimenticato? La risposta non ha tardato ad arrivare. La narrazione restituita dai media era distorta, faziosa e arbitraria: una delle tante tragedie causate da ‘pazzi’ armati, come quelle che succedono spesso in America. Insomma quel genere di fatti per cui scuoti la testa e passi oltre fino a dimenticartene. Niente di più sbagliato. Scoprivo che la strage era stata pianificata per anni, con lucidità e coscienziosità al limite del maniacale, e che non era contro un obbiettivo a caso ma contro il cuore delle giovani ‘promesse’ del socialismo europeo. Era una strage politica. Quando ho finito il libro, ho sentito forte il desiderio che probabilmente ha animato l’autore stesso: bisogna parlare di queste cose, rifletterci, farle risuonare nelle nostre vite che non scrivono la Storia ma la vivono. ‘Utoya’ è il tentativo di fare memoria e denuncia senza fare ‘teatro civile’, è a pieno titolo una tragedia contemporanea. Guardare ad essa è come guardare a Medea, a Edipo, a Baccanti, con la sola differenza che quanto qui viene narrato è accaduto davvero. E, forse, potrebbe ancora accadere se non facciamo attenzione a chi siamo, a quale società stiamo contribuendo a costruire, al mondo che vogliamo lasciare in mano ai nostri figli.”
Serena Sinigaglia

“L’autore Edoardo Erba lo ammette: ‘La riflessione su un avvenimento del genere sconcerta: non è un gesto di follia, ma lo è. Non è un caso di occultamento dell’informazione, però lo è”. In effetti, se si domanda della strage al Bataclan, a Nizza o a Manchester, tutti se ne ricordano. I fatti di Oslo e Utoya, invece, svaniscono tra le pieghe di una memoria confusa, che cerca conforto in approssimazioni e omissioni. Eppure è ormai chiaro quanto successo: Anders Behring Breivik, norvegese trentaduenne simpatizzante dell’estrema destra, fece esplodere un’autobomba di fronte all’ufficio del Primo Ministro ad Oslo provocando 8 morti e 209 feriti; mentre in città si scatenava il panico, Breivik approfittò del caos per dirigersi sull’isola di Utoya, dove era in corso un campus organizzato dalla sezione giovanile del Partito Laburista; radunò i ragazzi e cominciò a sparare su di loro, organizzando una meticolosa e spietata caccia all’uomo: uccise 69 persone, tra cui i direttori del campo e ragazzi dai 12 ai 20 anni, e ne ferì 110, agendo indisturbato per un’ora e mezza mentre la polizia attendeva ordini. Arrestato e processato, Breivik sta scontando attualmente la pena a 21 anni di carcere (la massima condanna prevista in Norvegia), riconosciuto “nel pieno delle facoltà mentali” e autore consapevole di una strage di carattere politico, come spiega nel manifesto di 1500 pagine che inviò ai contatti su Facebook qualche ora prima dell’assalto. In cella, invoca i propri diritti di cittadino norvegese, lamenta maltrattamenti poiché gli hanno concesso un modello vecchio di play-station e riceve lettere di ammiratori. Nessun pentimento, forse al massimo per chi fu colpito accidentalmente ad Oslo ma non certo per i giovanissimi seguaci del partito Laburista che reputa responsabile della “decostruzione della cultura norvegese per via dell’immigrazione in massa dei musulmani’.
Ivan Filannino, Milanoteatri, 13 gennaio 2018

“C’è come odore di foschia in sala. La scena è piena di pezzi di tronchi d’albero, ceppi mozzati senza più rami né foglie, lapidi naturali per morti innaturali. A terra, pezzi di specchi, frammenti lucenti e taglienti, rimandano parti di immagini.
Tutto si perde nella nebbia che si alza dal palco e che confonde le certezze, i significati delle regole, i fantasmi delle ipocrisie delle tre coppie che compaiono in scena e che pur trovandosi in luoghi diversi, sono in relazione con la strage.
In scena Arianna Scommegna e Mattia Fabris entrano ed escono dai diversi personaggi con un semplice movimento, una modulazione di voce, un gesto sapiente.
La prima coppia è alto-borghese: ha mandato la figlia sedicenne sull’isola. La seconda è una coppia contadina, composta da un fratello e una sorella: sono i vicini dell’assassino. La terza vede un poliziotto e una poliziotta in servizio al momento della strage, nel commissariato davanti all’isola.
Perché Edoardo Erba, ha deciso di raccontare questa tragedia da lontano, immaginando di spiare testimoni indiretti, che non vedono direttamente l’orrore, né il sangue, né sentono l’acre odore di morte. Ma vivono lo sgomento nello scoprire che il mostro è uno di noi, è tra noi, è il vicino della porta accanto; che la sicurezza si è infranta.”
Raffaella Roversi, duerighe.com, 14 gennaio 2018

“Sorprendente: questo è il termine che affiora, di continuo e per vari aspetti, durante tutta la fruizione dello spettacolo. Sorprendente già quella scenografia fissa anche nella studiata staticità di un disegno luci, che non cambia, se non verso la fine, nonostante il continuo variare del passaggio del testimone del racconto fra le tre coppie; fatta da mozziconi di tronchi abbattuti, chissà che non sia già metafora di quelle vite spezzate, nonostante il vigore delle loro giovani età, e il cui essere ancora così saldamente piantati nel terreno non fa che esasperarne lo straziante ossimoro. E poi quella bruma, un po’ a suggestiva rievocazione dei paesaggi nordici, un po’, ancora una volta, simbolo a offuscare la lucentezza dello sguardo, costante aleggia su tutto e su tutti, anche in senso figurato. Già, perché quella che viene portata sul palco non è la costruzione diretta degli eventi; la narrazione, piuttosto, per interposta persona, in cui ciascuno diviene a suo modo testimone, sì, ma prima di tutto narratore, più che cronista, con tutto il precipitato di soggettività, emozionalità ed esperienza, che questo comporta. Sorprendente l’incipit, dove occorre qualche minuto per comprendere chi sia quel norvegese, che la protagonista femminile sta descrivendo; e sorprendente il finale, dove, a suo modo pacificatore, torna quello stesso norvegese, che invece lì era stato oggetto di stridente contesa.”
Francesca Romana Lino, Rumo(s)cena, 10 gennaio 2018

Teatro Litta

da martedì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
durata: 60 minuti
Biglietti: Intero 25€ – Intero giornata di debutto 15€, Convenzioni 20€, Ridotto arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30 e Over65 15€, scuole di teatro e università 15€, Ridotto DVA 12,50€, scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro, Teatri Possibili 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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spettacolo inserito in Invito a Teatro

Ideazione e regia Stefano Cordella – drammaturgia collettiva – con Daniele Crasti, Francesca Gemma, Francesco Meola, Dario Sansalone – aiuto regia e collaborazione alla drammaturgia Noemi Radice – disegno luci Giuliano Almerighi – sound design Gianluca Agostini – scene e costumi Andrea Colombo – Tecnico Lorenzo Crippa – si ringrazia Stefano Montrasio – organizzazione Valeria Brizzi, Carolina Pedrizzetti – con il sostegno di Mibac, Fondazione Cariplo, Gecob eventi e PianoInBilico – produzione Oyes

“Mai generation” è uno spettacolo che vuole parlare al mondo degli adolescenti e al loro naturale desiderio di cambiamento. Tutto si svolge all’interno di una scuola occupata dove i ragazzi possono sentirsi improvvisamente adulti, cittadini del proprio mondo e responsabili delle proprie scelte. Immerso nel presente con tutte le sue contraddizioni, il racconto prende a tratti la strada del confronto generazionale con la stagione del 68: mentre i ragazzi di quegli anni reclamavano il bisogno di uscire da rigidi schemi sociali, gli adolescenti di oggi si sentono in bilico tra aspettative (proprie, collettive e genitoriali) e mancanza di prospettiva. Tra votazioni, slogan e proteste emerge il mondo quotidiano dell’adolescenza fatto di paure, slanci, imbarazzi e nuove scoperte.

Teatro Litta

da martedì a giovedì ore 20:30
durata: 60 minuti
Biglietti: Intero 25€, Convenzioni 20€, Ridotto Arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) 20€, Under30/Over65 15€, Scuole di teatro e Università 15€, Ridotto DVA 12,50, Scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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di Bohumil Hrabal – con Matilde Facheris, Massimo Betti alla chitarra – lettura a cura di ATIR

A Praga un uomo chiamato Hanta lavora, da trentacinque anni, a una pressa nella quale trovano la loro fine tutti i libri della città, che lui trasforma in pacchi sigillati e armoniosi, in “opere d’arte”. È una persona semplice che a furia di salvare dal macero libri di grandi autori e di portarli a casa per leggerli si istruisce contro la propria volontà. Colui che dovrebbe distruggere i libri li salva; colui che ne dovrebbe cancellare ogni traccia, li fa risorgere sotto altre forme.
Il libro di Hrabal è un atto d’amore nei confronti dei libri, ma anche di chi li legge e li fa entrare, non tanto nella propria libreria, quanto nella propria vita, nel proprio cuore, nel proprio spirito. Hanta e la sua pressa sono una cosa sola, così come la pressa è una cosa sola con i libri che inghiotte. Così come il lettore con i libri che legge. Bohumil Hrabal (Brno 28 marzo 1914 – Praga 3 febbraio 1997) scrittore, grande bevitore, personalità fuori dagli schemi, per mantenersi cambiò tantissimi mestieri. Fu magazziniere presso una cooperativa di consumo, addetto alla preparazione del malto in una fabbrica di birra, copista presso lo studio di un notaio, manovratore e capostazione ferroviario, telegrafista, agente assicurativo della “Sostegno della Vecchiaia”, commesso viaggiatore di giocattoli, operaio metalmeccanico, macchinista e in seguito comparsa in un teatro, cameriere e imballatore di carta da macero ottenuta dai libri censurati dal regime comunista. Quest’ultima esperienza fu lo spunto autobiografico per la scrittura di “Una solitudine troppo rumorosa”. I suoi stessi romanzi furono censurati dal regime dopo la Primavera di Praga ma riuscirono a circolare comunque clandestinamente a tal punto da renderlo un maestro riconosciuto in patria e in tutta Europa.

La Cavallerizza
domenica ore 19:30
durata: 60 minuti
biglietti: intero 15€ – ridotto scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€ – ridotto DVA 7,50€

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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di H. Lee – con Arianna Scommegna – lettura a cura di ATIR

Harper Lee, premio Pulitzer 1960, scomparsa nel febbraio 2016 all’età di 89 anni, ha scritto un solo libro nella sua vita: “Il buio oltre la siepe”. Oltre la siepe c’è l’ignoto, un ignoto che fa paura proprio perché non lo si conosce. E la paura di ciò che è oscuro ma anche solamente diverso genera pregiudizio. Ambientato in una piccola cittadina dell’Alabama nella prima metà del ‘900, è una storia più che mai attuale raccontata in prima persona da Scout, una bambina che con la sua purezza e innocenza accende una piccola fiamma nel buio di una comunità spaventata, chiusa e razzista.

“Un romanzo senza tempo, una storia indimenticabile di coraggio e convinzione, sul fare quel che è giusto, a qualunque prezzo.” (Obama)

La Cavallerizza
domenica ore 20:30
durata: 60 minuti
biglietti: intero 15€ – ridotto scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€ – ridotto DVA 7,50€

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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di Nadia Del Frate, Claudio Intropido – regia Claudio Intropido – con Nadia Del Frate – produzione Manifatture Teatrali Milanesi

Questi vecchi occhi racconterebbero tanta vita se solo trovassero cuori disposti ad ascoltare. Quando passato e presente si confondono allora il tempo è solo una variabile fisica che poco ha a che fare con la felicità. Di anni ne sono passati tanti e ora, alla fine del viaggio, i ricordi del primo amore si mescolano a quelli della maternità, della guerra, dei soprusi fascisti, delle canzoni di un tempo che fu e si uniscono alla speranza della visita di una figlia molto amata e forse assente. Così ogni ricordo acquista forza di vita reale, talmente reale da perdere il senso del limite sconfinando in allucinazioni di un passato che ritorna nella durezza del presente.
A volte buffa, a volte ironica, spesso arrabbiata ma tenera nella sua fragilità. Spudorata e dissacrante come lo è la vecchiaia. Un personaggio che appartiene a tutti noi, che ci riguarda profondamente perché ci obbliga a mettere insieme passato e futuro in un presente dove le nostre scelte possono avere ancora valore.

La Cavallerizza
da mercoledì a domenica ore 19:30
durata: 60 minuti
Biglietti: intero 15€ – ridotto scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€ – ridotto DVA 7,50€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, Arcobaleno tandem, Arcobaleno over 65, Carta regalo x2, Carta regalo x4, Abbonamento le ragazze raccontano

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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di John Steinbeck – con Sandra Zoccolan – lettura a cura di ATIR

Steinbeck raccontò di aver voluto «mettere un’etichetta vergognosa su quei bastardi avidi che sono responsabili» della Grande Depressione e delle sue conseguenze, e di aver «fatto del mio meglio per far saltare i nervi al lettore» a ogni pagina: “Furore” divenne il romanzo di denuncia della Grande Depressione degli anni Trenta, raccontando il viaggio della speranza dei contadini affamati del Midwest verso la più prospera California, dove Steinbeck stesso era nato.
La sua scrittura è così realistica che sembra di vedere il giallo dei campi, di sentire il calore del sole rovente sulla pelle, la polvere rossa della terra che ti va nel naso, l’odore del poco, pochissimo cibo che – quando c’è – sfrigola in padella o bolle nei pentoloni.
Ci narra di gente disperata, che deve lasciare la propria casa per cercarsi un altro posto in cui vivere, tra gente estranea che non ti sopporta e non vuole darti un lavoro, ma sfruttarti, trattandoti come una bestia da soma, levandoti il rispetto per te stesso.
Ci narra di razzismo, di diseguaglianze sociali, di tentativi di sciopero e di insurrezioni da parte di chi avverte di possedere una coscienza sociale, civica.
Un popolo di famiglie in fuga che, come i Joad, perdono pezzi lungo la strada e imparano quanto la giustizia sociale nasca dalla solidarietà umana e non abbia quasi niente in comune con la legge costituita. Famiglie, scrive Steinbeck, che nella condivisione del bisogno imparano a trasformarsi da “io” a “noi”.

La Cavallerizza
domenica ore 19:30
durata: 60 minuti
biglietti: intero 15€ – ridotto scuole MTM, Paolo Grassi, Piccolo Teatro 10€ – ridotto DVA 7,50€

Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it/02-86454545

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