ideato, scritto e interpretato da Lorenzo Attanasio, Bruno Bassi, Valentina Cardinali, Andrea Delfino, Carlo Amleto Giammusso, Tano Mongelli, Giuseppe Scoditti – Giulia Vecchio – regia Pablo Solari – musiche Tano e l’Ora d’aria – scene Maddalena Oriani – costumi Barbara Petrecca – un progetto in collaborazione con Paolo Scotti – Produzione AGIDI

Un contenitore di inesauribili fesserie. Tra scherzi da preti, riesumazioni storiche improbabili, esagerazioni sovrumane e giochi di parole funambolici, Contenuti Zero Varietà è uno spettacolo che punta alla pancia dello spettatore ma soprattutto, alla sua vescica! La struttura rimane quella del grande Varietà di un tempo, nella caratteristica alternanza di numeri musicali, pezzi comici e momenti corali sorprendenti, ma lo spirito di Contenuti Zero è assolutamente figlio dei tempi che corrono. Tempi bui sui quali intendiamo accendere le scintillanti e aspre luci del Varietà. Una serie di spettacoli, sette puntate inedite per l’esattezza, che con grande joie de vivre e savoir faire vi accompagneranno nel magico mondo del ridicolo, dell’assurdo e di quel gioco, gioioso e pazzo, al quale tutti noi, almeno una volta, abbiamo giocato! Con il sostegno musicale e psicologico dell’incredibile band di “Tano e l’ora d’aria”, vedrete sfilare sul palco del teatro Leonardo, personaggi mitici e ospiti esilaranti. Vi aspettiamo numerosi e come ci piace dire a noi…
Allegoria… Allegoriaa… Allegoriaaa!!!

Teatro Leonardo
16 e 30 gennaio – 13 e 27 febbraio – 13 e 27 marzo – 17 aprile
Biglietti unico: Intero 15€ – Arci e Scuole di Teatro 10€
Abbonamento Contenuti zero varietà

con Silvia Gallerano – di Cristian Ceresoli – produzione Frida Kahlo Productions – con Richard Jordan Productions – in collaborazione con Summerhall (Edinburgh) e Teatro Valle Occupato (Roma) – production manager Marco Pavanelli – tecnico Giorgio Gagliano

Dopo aver vinto l’oscar del teatro europeo e registrato un enorme successo di pubblico e critica in tutto il mondo (dall’Europa al Brasile, dall’Australia al Nord America) a sette anni di distanza dal suo debutto, il poetico flusso di coscienza sulla condizione umana – il fenomeno che ha da tempo rotto i confini del teatro e viene accolto quasi fosse un concerto rock – prosegue il suo live tour, sia nelle grandi città che nelle sperdute periferie e provincie.

Lo “straordinario, brutale, disturbante e umano” (The Times) testo sulla condizione umana di Cristian Ceresoli che gli è valso il Fringe First Award for Writing Excellence per la scrittura, è stato tradotto oltre che in inglese, in greco, danese, ceco, spagnolo, gallego, portoghese brasiliano, norvegese, svedese e francese, mentre è in corso di traduzione in numerose altre lingue. Viene pubblicato in edizione bilingue Italiano–Inglese dalla Oberon Books di Londra nel 2012 e nel 2017 in Italia da Gallucci HD.

L’interpretazione “straordinaria, sublime e da strapparti la pelle di dosso” (The Guardian) di Silvia Gallerano viene accolta da più di sette anni da commosse ovazioni. La Gallerano, che interpreta La Merda sia in inglese che italiano, è la prima attrice italiana a vincere il The Stage Award for Acting Excellence.

La Merda si manifesta come uno stream of consciousness dove, in poesia, si scatena la bulimica e rivoltante confidenza pubblica di una “giovane” donna “brutta” che tenta con ostinazione, resistenza e coraggio di aprirsi un varco nella società delle Cosce e delle Libertà.

La Merda ha come spinta propulsiva il disperato tentativo di districarsi da un pantano o fango, ultimi prodotti di quel genocidio culturale di cui scrisse e parlò Pier Paolo Pasolini all’affacciarsi della società dei consumi. Quel totalitarismo, secondo Pasolini, ancor più duro di quello fascista poiché capace di annientarci con dolcezza.

Teatro Leonardo
da giovedì a sabato ore 20:30
durata: 1 ora
Biglietti: Intero 25€ – Under26 e Convenzionati 16€ – Over65 12€
spettacolo inserito in abbonamento: Arcobaleno, Uni 4 al Leonardo, Carta Regalo

di Cristian Ceresoli – con Silvia Gallerano & Stefano Cenci – regia di Simon Boberg – sonorizzazioni di Stefano Piro, la canzone è di dj Blue Cat  – assistente alla regia, production manager Marco Pavanelli – tecnico Giorgio Gagliano – una co-produzione Italia/UK/Danimarca con Frida Kahlo Productions (Milano, London), Teatro Metastasio (Prato), Teater Grob (Copenhagen) con Il Funaro (Pistoia) e Richard Jordan Productions (London) – organizzazione e Distribuzione in Italia World Entertainment Company (Milano, New York)

Dobbiamo ballare.
Dobbiamo ballare.
Tutte le mattine.
E tutte le sere.
E dobbiamo sorridere.
Chi non sorride vien punito.
Chi protesta pure.
E ogni giorno passa uguale.
[Happy Hour, Capitolo 15]

Kerfuffle è un bambino, è un campione del mondo. Invece Ado è la sua sorellina, è una femmina. Mamma e papà sono felici, anche perché è obbligatorio.

Dopo aver vinto numerosi premi, tra cui l’oscar del teatro europeo al Fringe Festival di Edimburgo, e registrato un grande successo di pubblico e critica in tutto il mondo con La Merda (dall’Europa al Brasile, dall’Australia al Nord America) tuttora in tour a sei anni di distanza dal suo debutto, Cristian Ceresoli presenta una sua nuova scrittura, lisergica e rock, intitolata Happy Hour. Composta a partire dal 2007, come fosse il secondo frammento di uno stesso paesaggio, come se queste due opere illuminassero parti dello stesso dipinto.

Qui lo scrittore scopre un nuovo mondo, al presente, dove si afferma (e vince) un’efficacissima forma di allegro totalitarismo. Qui Silvia Gallerano, già osannata interprete de La Merda, incarna la piccola Ado, una ragazzina affamata d’amore, mentre Stefano Cenci, interprete unico e potente, è suo fratello Kerfuffle. La regia è affidata alla sensibilità di Simon Boberg, regista danese di fama internazionale, già direttore della produzione teatrale e televisiva di Lort (La Merda) in Danimarca.

Una partitura (o città) in cui avvengono divertentissime deportazioni di massa, in cui si afferma il più colorato dei fascismi. Un poema di tendenza al travolgente ritmo di un happy hour ininterrotto e quotidiano, in un delirante rinnovamento della lingua, attraversata da un’umanità che gode della vita, veste ghepardato e è disposta a tutto per difendere il proprio entusiasmo.

Come La Merda ha rotto gli schemi aldilà dei generi (opera di poesia, rock, sofisticata e immediata a un tempo, letteratura, teatro o performance, accolta da luoghi e spazi diversi, grandi città e province e tutto esaurito da anni) allo stesso modo Happy Hour tenta di manifestarsi con una sua originalità. Partitura letteraria per due corpi. Prova d’attore oltre i limiti. Opera d’arte dal vivo. Visione. Glamour. Una tragedia molto moderna in cui ridere fino ad ammazzarsi e piangere, come bestie da macello.

La canzone che si intarsia all’esecuzione della partitura è della dj islandese Blue Cat a partire dal brano dei Guappecartò, intitolato Luna di Giorno.

Happy Hour è dedicato a Stefano Dolce & Domenico Gabbana.

Teatro Leonardo
domenica ore 19:00
durata: 75 minuti
Biglietti: Intero 25€ – Under26 e Convenzionati 16€ – Over65 12€
spettacolo inserito in abbonamento: Arcobaleno, Uni 4 al Leonardo, Carta Regalo

ideazione e regia Stefano Cordella – drammaturgia collettiva – con Francesca Gemma, Dario Merlini, Umberto Terruso, Fabio Zulli – disegno luci Stefano Capra – sound design Gianluca Agostini
scene e costumi Maria Paola Di Francesco – assistente alla regia Noemi Radice – organizzazione Valeria Brizzi, Carolina Pedrizzetti – produzione Oyes – con il sostegno di Mibac, Fondazione Cariplo, Next-laboratorio delle idee per la produzione e la distribuzione dello spettacolo dal vivo 2018/2019, Centro di Residenza della Toscana (Armunia Castiglioncello – CapoTrave/Kilowatt Sansepolcro) – menzione speciale Forever Young 2017-2018 – La Corte Ospitale

Un viaggio surreale nell’inconscio di una generazione.

Una serie di incidenti reali e metaforici farà incontrare tre personaggi che apparentemente sembrano non avere niente in comune: un uomo ricco e cinico che scopre di essere gravemente malato, un esuberante tassista in procinto di diventare padre, e un improbabile supereroe. Un evento inaspettato obbligherà i tre uomini a fermarsi in uno squallido locale in mezzo al nulla, accolti da una misteriosa cantante con la quale condivideranno ansie, paure e quel che resta dei sogni nell’epoca della disillusione. Lo schianto è la condizione di partenza della nostra generazione. Tutto intorno è esploso. Persi, senza appigli e riferimenti, ci sentiamo immersi in un limbo confuso e inquietante in cui regna l’instabilità economica e sentimentale.
Ogni personaggio di Schianto dovrà fare i conti con la propria spinta vitale in equilibrio precario tra speranza e disincanto. La storia è un pretesto per far esplodere i rapporti tra i personaggi ed esplorare l’abisso del desiderio contemporaneo.

Teatro Litta
da martedì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
durata: 70 minuti
Biglietti: intero 25€ – Under26 e convenzioni 16€ – Over65 12€ – Under12 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, 6 al Litta, Uni 4 al Litta, Carta regalo

progetto performance/teatro site specific di Antonio Syxty – scritto da Michele Zaffarano – azioni sceniche e movimenti Susanna Baccari – sound e light design Fulvio Melli – Salvatore Aronica, Alberto Colombo, Bruna Serina De Almeida, Francesca Montuori, Ivana Petito, Andrea Ruberti, Agata Sala, Massimo Sansottera, Gabriele Scarpino, Nicole Zanin – Location Casa-Museo Boschi Di Stefano – Milano – produzione Manifatture Teatrali Milanesi

Un’installazione in 5 stanze (più una segreta), per raccontare altrettanti segreti a gruppi ristretti di 30 visitatori. Disattivare le connessioni mainstream. Trasferire ciò che non si può traferire. Tracciare una mappa nell’aria. Coagulare gli elementi del segno/linguaggio. Svelare quello che non è possibile svelare, perchè apparentemente manifesto. Desistere dal movimento inerziale e procedere per derive fra caso, casualità ed enigmi. Rooms For Secrets – anche R.F.S. – converge sul piano della zona: la stanza: territorio fisico e mentale.

R.F.S. si allaccia alla scrittura sperimentale e misteriosa di Michele Zaffarano, coinvolto di proposito da Antonio Syxty per mappare la zona (le rooms e oltre) con un nastro verbale costruito sui capitoli ipotizzati dall’ispirazione iniziale e vanitosa dello stesso Syxty. Un nastro verbale affidato alla lettura di una voce sintetica, orchestrato (con malizia e sotterfugio infantile) per essere diffuso, frammentato e ricomposto, in una detective story dove il soggetto è il pronome TU (invenzione inaspettata e sorprendente dello stesso Zaffarano).

Una detection misteriosa, messa in atto in una casa importante di Milano, a opera del Portaluppi: la casa Boschi Di Stefano – anche sede della Casa Museo. Una detection in 5 stanze, non richiesta e ingiustificata, che comprende IL CORPO (leggi: sesso) IL DIO (leggi: religione), I SOLDI (leggi: economia), I DESIDERI (leggi: psiche), LO SPAZIO (leggi: architettura).
Cinque capitoli dunque? No, cinque coincidenze incidentali su un percorso/esposizione/esperienza generata da una stanza segreta (e non per segreti): una improbabile Secret Room che imprime il movimento iniziale al tutto, a opera del Saggio Sciocco (The Silly Wise Man, lo stesso Syxty) impegnato nell’Hanky Panky Pièce, la pièce del Malinteso e dell’Imbroglio.
Non si esce dal labirinto dei segni e della materia: terra, pietre vulcaniche, sabbia di fiume, sale, acqua, canapa, feltro, carta, legno, pietra, piante.
R.F.S. – nelle intenzioni – non si allontana da un tracciato umano e naturale, però, per via della presenza umana coinvolta si avvia costruire l’enigma con la complicità manifesta di 4 coppie (maschile + femminile), una famiglia, e il dichiarato Saggio Sciocco.

Casa-Museo Boschi Di Stefano
via Giorgio Jan n. 15
da martedì a domenica ore 19.30 alle 21.30 (ultimo ingresso ore 20.30)
Biglietti: intero 12€
Spettacolo inserito in Invito a teatro
http://roomsforsecrets.blogspot.com/?m=1 

di Elisa Casseri e Filippo Renda – con Michele Di Giacomo, Luca Mammoli, Arianna Primavera e Alice Spisa – regia di Filippo Renda – Produzione Teatro delle Donne / Idiot Savant
col sostegno alla produzione di DIG Festival, Riccione Teatro, Alchemico Tre – in collaborazione con L’arboreto Teatro Dimora | La Corte Ospitale ::: Centro di Residenza Emilia-Romagna – con la consulenza di Rete degli archivi per non dimenticare

Il delitto del Circeo è uno dei crimini che più profondamente si sono impressi nelle coscienze degli italiani. Ancora oggi, chi nel 1975 era già nato e lo sente soltanto nominare, rabbrividisce e riporta alla memoria il turbamento di un intero paese di fronte a un evento così assurdo.
Ma è stato davvero un fatto assurdo?
Nel 1975 una ricerca giornalistica di Maria Adele Teodori ha stimato, solo in quell’anno, 11.000 casi di stupro in Italia, uno ogni 40 minuti. L’anno prima lo stesso Angelo Izzo (uno dei tre massacratori) era già stato accusato e condannato per aver rinchiuso in una villa e stuprato una ragazza di soli sedici anni.
Pier Paolo Pasolini, in una delle sue lettere luterane, pubblicata ne Il mondo un mese dopo i fatti del Circeo, tratteggia una società pervasa dalla violenza, dal sadismo, indipendentemente dall’appartenenza di classe. Non ci sono ambiti circoscritti, situazioni straordinarie, nelle quali la violenza si scatena, al contrario, la violenza è una presenza quotidiana, abituale sia tra i borgatari che tra i borghesi.

“Ho da ridire sul fatto che si creino dei capri espiatori, che sono: “parte della borghesia”, “Roma”, i “neofascisti”. La loro criminalità pare interessante perché riguarda i nuovi figli della borghesia. Tutta la stampa italiana negli assassini del Circeo vede un caso che la riguarda, un caso, ripeto, privilegiato. Se a fare le stesse cose fossero stati dei “poveri” delle borgate romane, oppure dei “poveri” immigrati a Milano o a Torino, non se ne sarebbe parlato tanto e a quel modo. Per razzismo. Perché i “poveri” delle borgate o i “poveri” immigrati sono considerati delinquenti a priori.(…) Ebbene, i “poveri” delle borgate romane e i “poveri” immigrati, cioè i giovani del popolo, possono fare e fanno effettivamente (come dicono con spaventosa chiarezza le cronache) le stesse cose che hanno fatto i giovani dei Parioli: e con lo stesso identico spirito.”

Con Circeo, il massacro desideriamo raccontare quella società e quelle tensioni che si riverberavano nella vita di tutti i giorni e che, con un gioco al rialzo, arrivarono a permettere che certi fatti straordinari accadessero.
Desideriamo riflettere specularmente sulla nostra società, in cui tensioni molto simili non sfogano più solo sulla violenza di genere, ma anche su quella contro lo straniero. Basta scorrere le cronache degli untimi dodici mesi per rendersi conto che la violenza e il sadismo sono già in circolo e che si arriva ormai a reagire con indifferenza davanti a certe dichiarazioni che incitano all’odio e al razzismo: occorrerà un nuovo massacro per scioccare e risvegliare le nostre coscienze?

Teatro Litta
da martedì a sabato ore 20:30 – domenica ore 16:30
Biglietti: intero 25€ – Under26 e convenzioni 16€ – Over65 12€ – Under12 10€
spettacolo in abbonamento: Arcobaleno, 6 al Litta, Uni 4 al Litta, Carta regalo

di Gilda Deianira Ciao – con Luca Giovacchini – guitars, Gilda Deianira Ciao

Destructuring Songs è un progetto in progress, all’incrocio tra performance, generi musicali e videoclip. Fine gennaio 2018: Gilda Deianira Ciao, con Luca Del Pia alle riprese, interpreta Wicked Game di Chris Isaak, colonna sonora del lynchano Wild at Heart, come un monologo a tratti cantato in video, utilizzando una base karaoke del brano. Inizia così un gioco di confronto da perfomer con hit di successo, da Papatouai di Stromae a One way or another dei Blondie, passando per gli Smiths di I know it’s over, in cui i videoclip originali diventano la base per tentativi di ‘destrutturazione’ attraverso Iphone selftapes. Come il titolo suggerisce, non si tratta di realizzare cover ma di prendere il brano musicale – partitura testuale, struttura ritmica e melodica – come materiale di un lavoro performativo che scompone l’insieme testo-spartito. Utilizzando le lyrics come battute teatrali, l’intepretazione performativa isola fonemi, apre sottotesti, dilata atmosfere, omette o inverte strofe, in una dinamica che investe la linea melodica e ritmica della composizione originale. Il desiderio è di arrivare, attraverso tappe di studio e live, a un album performativo, uno show live con band, coriste, corpo di ballo ed effetti da concerto, ma con una relazione molto stretta tra performer e pubblico, spazialmente incluso nel luogo dell’azione.

La Cavallerizza
giovedì/domenica ore 19:00
Biglietti: intero 12€ – Under26 /Over65 10€

di Giovanni Testori – regia Mino Manni – con Marta Ossoli – assistente alla regia Serena Lietti – disegno luci Alberto Gualdoni – spettacolo prodotto con il sostegno e la collaborazione di Amministrazione Comunale di Castel San Giovanni, Diana Ceni, Giulio Fassina, Francesco Paladino, Angelo Sordi, Nuccia Zuterni –  PREMIO NAZIONALE FRANCO ENRIQUEZ 2017-GIOVANI GRANDI INTERPRETI – produzione Manni/Ossoli

Una donna che pienamente ha vissuto, amato, goduto, e perso ogni cosa. Una vedova che intona un doloroso lamento di morte e un potente inno alla vita. La grandiosa imperatrice d’Egitto che ha dominato e sottomesso interi popoli. Una bagascia di paese che millanta un passato fantasioso e mai esistito. Cosa resta della “gran reina” dopo che ha deposto la corona? In un tempo fatto di ricordi, la “Cleopatràs lussuriosa” di Testori ci accompagna dentro l’universalità di una passione che ne segna tragicamente il destino. Uno spettacolo in cui sacro e profano, amore e morte giungono a un punto di fusione incandescente e poeticissimo attraverso un linguaggio crudo e palpitante, barbarico e sublime, unico e immortale. Come il suo autore.

La Cavallerizza
da martedì a domenica ore 19:30
durata: 55 minuti
Biglietti: Intero 16€ – Under26/Over65 12€
Abbonamento: Arcobaleno – 6 al Litta – Uni 4 al Litta, Carta regalo

di Giovanni Testori – regia Mino Manni – con Gaetano Callegaro – produzione Manifatture Teatrali Milanesi

Ho divorato “Conversazione con la morte” quasi fisicamente e le parole del testo hanno cominciato a vibrare dentro di me, a farmi compagnia, a risuonare in modo struggente con una vita prorompente e purificatrice sebbene quelle parole fossero “portatrici di morte”. Da qui, inconsciamente, ho cominciato a sentire un legame profondo con Giovanni Testori e istintivamente ho riletto la sua raccolta di poesie “Nel tuo sangue” e, ancora istintivamente, ho cominciato a sviluppare idee, suggestioni, riflessioni fino ad immaginare uno spazio, un luogo dove mettere in scena quelle parole: uno spazio che non fosse solo un teatro ma un tempio sconsacrato, una sorta di chiesa benedetta e maledetta insieme dove il vecchio attore che parla ( il protagonista del testo) divora sé stesso in un rito ecclesiastico in cui l’altare diventa un tavolaccio da obitorio e dove attraverso la disperazione della sua solitudine, realizza la necessità di un dialogo con la “cara, dolce ed eterna ombra” che assume forma di cagna, ragazzina, amante e madre “dal grembo assassino” perché, al di là di ogni retorica sulla maternità, chi dà la vita dà anche la morte (Testori scrisse il testo nel 1978 dopo la morte della madre). In “Conversazione con la morte” c’è la fatica di dire e quella di non dire, l’anelito a una parola impossibile che diventa possibile soltanto attraverso il teatro: in fondo,semplicemente, un uomo solo che parla a un pubblico che lo ascolta. Che parla le parole sublimi, alte, poetiche e mai definitive di Giovanni Testori.
(Mino Manni)

La Cavallerizza
da martedì a domenica ore 19:30
durata: 70 minuti
Biglietti: Intero 16€ – Under26/Over65 12€
Abbonamento: Arcobaleno – 6 al Litta – Uni 4 al Litta, Carta regalo

Spettacolo inserito in Invito a teatro